Радуга акварель только картины

Радуга в картинах русских художников ХIХ-ХХ веков

Творчество крупнейшего русского мариниста И. К. Айвазовского подчинено эстетике романтизма. На его полотнах часто бушуют штормы, ветры, поднимаются бури, влекущие корабли к гибели. Непостоянная, вечно изменчивая, подвижная морская стихия не только подсказывала художнику эффектные сюжеты, но давала ему возможность с необычайным мастерством передавать сложные рефлексы света, проникающие в толщу воды и отраженные на ее поверхности.
Мотив радуги — один из излюбленных в искусстве романтизма. Радуга, вставшая над штормовым морем, — весьма завораживающее зрелище, особенно, когда под ее дугой уходит под воду корабль, будучи не в силах противостоять разбушевавшимся волнам. Высокий вал скрыл горизонт, и люди, спасающиеся с корабля, борются со стихией. Здесь радуга является не просто редким природным явлением, в изображении которого художник может продемонстрировать свое мастерство живописца. Она становится символом грядущего спасения этих несчастных, их последней надеждой, она словно библейский символ прощения человечества. Эта картина выставлена в Третьяковской галерее. 1873 г.

Полотно «Московский пейзаж. Радуга» занимает особое место в творчестве Крымова. В нем соединились символистское видение мира и импрессионистические искания художника: радуга буквально разложена по цветам, а сам пейзаж в целом представляет собой мистическое соответствие небесного и земного мира в глазах символиста. Выставлена в Третьяковской галерее. 1968 г.

«Московский пейзаж. Радуга». Николай Петрович Крымов. 1908. Холст, масло. 59×69

Архип Иванович Куинджи (1842-1910) — уникальный пейзажист второй половины XIX — начала ХХ века. Его привлекали исключительные и прекрасные ситуации в жизни природы, связанные с необычным лунным светом или солнечным освещением. Серьезное увлечение астрономией, физикой цвета и света найдет свое отражение в живописи художника.

Картина «Радуга» запечатлевает одно из поразительных природных состояний, описанных в Библии. На еще пропитанном влагой от прошедшего дождя небе, прямо на облаке, высвечиваются разноцветные полоски радуги. Тема вечного и прекрасного света, непостижимости Вселенной, таинственности мироздания и всего сущего на земле составила главное направление творческих поисков Куинджи. Мастер не скрывал почти математической выверенности своих пейзажных композиций, его не смущали яркие цветовые и световые контрасты, усиливающие эффектность полотен. Куинджи, не умаляя естественной красоты природы, подчеркивает насыщенность цветов сочной зелени, яркой, почти гротесковой синевы неба, тем самым вводя в свою живопись декоративный элемент и придавая пейзажу «картинный» вид. Выставлена в Русском музее. 1900-1905 гг.

Творчество Алексея Кондратьевича Саврасова (1830-1897) является переходным этапом в пейзажной живописи XIX века. Освободив ее от канонов и идеалов западного искусства, художник обращался к национальным мотивам, отыскивая в самых простых уголках России щемящую прелесть и вызывая возвышенный трепет перед природой.

Картина «Радуга» лишена эффекта панорамы и черт сентиментализма. Реалистическая манера исполнения пейзажа, выбор простого композиционного ракурса с раскисшей от грязи дорогой и возвышающейся на холме деревней создают впечатление словно выхваченного «куска» живой, естественной натуры, одетой в раму. Сложные тональные переходы, неяркая цветовая гамма и сверхчуткость художника в передаче эмоционального состояния природы превращают полотно в выразительный «рассказ» О созвучии душ русской земли и беззаветно любящего ее человека. Выставлена в Русском музее. 1875 г.

Константин Андреевич Сомов (1869–1939) — художник, известный в нескольких творческих ипостасях: как представитель европейской романтической ветви русского символизма, как модернист с выверенным декоративным стилем, а также как график-оформитель

Пейзаж наполнен романтичной лирикой и, как и другие работы из серии времен года («Осень», «Весна», «Лето», «Лето) , обобщенно символичен. 1897 г.

Ученик русской школы живописи Дубовский Николай Никанорович, будучи человеком необыкновенно тонко чувствующим прекрасное не мог не разглядеть все прелести импрессионизма, а в последствии и модерна. Причем он не стремился «срисовать» элементы и приёмы французских коллег. Его куда больше интересовало самоличное достижение норм и канонов этих стилей, чем он неизменно и занимался. Он же одним из первых среди передвижников начал создавать «пейзажи настроения».

Дубовской Н.Н. на своей картине «Радуга» изображает морской пейзаж. Искусность мастера и правильное нанесение мазков кистью, передают практически фотографическую точность волн. На волнах легко качается небольшая деревянная лодка рыбака. Но сам рыбак занят совсем не рыбной ловлей.

Он заворожено смотрит на радугу, которая разноцветным огромным колесом спустилась с неба, как божье благословение. Она словно является воплощением добра на фоне клубистых чёрных туч, которые грозно нависли над ней. Человек в лодке даже встал и внимательно смотрит на радугу, как будто он давно её ждал, и наконец-то она появилась.

Крестьянская одежда рыбака говорит о его простом происхождении, а немного напряжённый стан — об удивлении и охвативших эмоциях. На заднем плане виднеются горы. Может быть, благодаря им, возникает ощущение одиночества и отрешённости от внешнего мира. А, возможно, из-за преобладания голубых и синих оттенков, картина навевает грусть.

Волгу писали многие русские художники, но у Кустодиева она получилась особенной. Перед нами Волга-труженица, кормилица. Бегут по великой реке буксиры, медленно тянутся за ними баржи. Крутые берега, окрашенные закатом в красный цвет, разноцветное небо, зеленый лес и белая церковь вдали. Художник использует все цвета солнечного спектра, чтобы показать разнообразие и красоту волжских берегов.
Вобрав в себя все краски закатной Волги, на небо вознеслась радуга.
Небо на картине разделено невидимой осью. Правая часть готова проясниться, левая — во власти дождя. Именно благодаря дождю, небо отражает цвета земли и Волги, придавая пейзажу сказочность и яркость.

«Волга. Радуга». Борис Михайлович Кустодиев. 1925. Холст, масло

Все материалы взяты из интернета.

Вот такая бывает радуга! Надеюсь, вам было интересно!

Источник

Лёгкие и невесомые. Акварельные картины разных художников

Лёгкие и невесомые. Акварельные картины разных художников.

Акварель это такая — субстанция, как океан. Она как и человек состоит из воды. И ещё у неё есть лёгкие. Смотришь на картину и чувствуешь её дыхание. Кроме того у неё имеется душа, лёгкая и нежная. Загадочная и задумчивая. Какие впечатления у Вас вызывают картины, написанные акварелью? Я вижу в них чистоту. Они настолько невесомые и лёгкие, будто наполненные воздухом изнутри! За это чувство я и люблю акварель.

Созданию акварели мы обязаны. Китаю! Она появилась в этой стране вслед за изобретением бумаги. Вскоре акварель стала популярна и в Японии. Она никогда не теряла своей популярности в этих странах. Акварелью рисовали на шелке, дереве и других материалах.

В Европе акварель появилась позже других видов живописи: только в XIII веке. Однако она чрезвычайно быстро развивалась и к 16 веке стала такой же популярной, как живопись маслом. Считается, что предшественниками акварельной живописи в Европе являются фрески, расписанные по сырой штукатурке.

Одной из самых знаменитых акварельных работ в мире является «Заяц» (1502 год) известного художника эпохи Ренессанса Альбрехта Дюрера. Этот мастер живописи внёс значительный вклад в развитие акварели на Западе.

«Заяц» (1502 год) известного художника эпохи Ренессанса Альбрехта Дюрера.

В России акварель становится популярной только в 19 веке. Эта новая техника особенно привлекает аристократов и членов царской семьи, которые заказывают себе портреты у мастеров акварели. Такие портреты можно было взять с собой в дорогу, легко перевезти из одного дома в другой, так как они были гораздо легче картин, написанных маслом на холсте, и достаточно неприхотливы. Иметь свою коллекцию акварелей считалось признаком хорошего тона и благосостояния.

В наше время люди тоже заказывают себе портреты у мастеров акварели.
Хочу поделиться с вами акварельными работами разных мастеров, которые мне очень понравились. Такие произведения способны бесконечно долго радовать свежестью и «акварельностью», присущей только этому материалу.

Источник

Как нарисовать весенний пейзаж акварельными красками

Рассмотрим мастер-класс по рисованию весеннего пейзажа акварельными красками.

Этот мастер-класс подойдёт как для начинающих работать акварелью, так и для младшего школьного возраста.

Для выполнения картины потребуются следующие художественные материалы: бумага для акварели (формат А4), акварельные краски, простой карандаш (HB), стирательная резинка, стакан с водой, кисточки (большая (№ 7-10), средняя (№ 3-5), маленькая (№ 1-2); «белка», «колонок» или «пони»), белая пластиковая палитра, гуашь белого цвета.

Итак, переходим к первому этапу работы — созданию линейного эскиза.

1) Выбираем горизонтальное расположение листа.

2) Намечаем линию горизонта (ниже середины листа).

3) Намечаем мягкой линией массу деревьев на дальнем плане.

4) Рисуем берега реки.

5) Рисуем деревья и их отражения в воде.

На втором этапе работы переходим к рисованию красками.

Акварельные краски являются водорастворимыми, по сути рисование акварелью — это рисование цветной водой. Перед началом работы красками смочите каждый цвет в вашем наборе красок чистой водой.

Чтобы избежать деформации бумаги под воздействием воды, прикрепите лист малярным скотчем к деревянному или пластиковому планшету.

На данном этапе работаем методом рисования акварельными красками, который называется «влажным по влажному» и подразумевает работу кисточкой, смоченной в воде, по сырому листу бумаги.

1) Большой кистью смачиваем «небо» чистой водой и добавляем краски: оттенки синего и голубого. Некоторые участки оставляем белыми, здесь будут облака.

2) Для массы деревьев на дальнем плане подбираем разные оттенки коричневого, розовый, фиолетовый цвета.

3) Далее работаем над водой. Смачиваем «реку» чистой водой и добавляем цвета воды и отражений. Стараемся чтобы мазки кисти были горизонтальными; вода должна быть темнее, чем небо.

На третьем этапе также работаем методом «влажным по влажному», рисуя берега реки. Для участков, покрытых снегом, используем самые светлые оттенки голубого, синего, фиолетового, розового. Для участков с травой — оттенки зелёного.

На четвертом этапе работаем методом рисования акварельными красками, который называется «влажным по сухому» и предполагает работу сырой кисточкой по сухой поверхности.

1) Усиливаем цвет реки, работаем горизонтальными мазками.

2) Усиливаем тоновую насыщенность снега; добавляем тени на траве.

3) Тонкой кисточкой прорисовываем деревья и траву.

4) Тонкой кисточкой подчёркиваем берега.

На пятом этапе завершаем работу.

1) Дерево слева рисуем в несколько слоёв: сначала закрашиваем ствол оттенками коричневого и зеленого, по мере высыхания слоя рисуем кору оттенками темнее, чем предыдущий слой.

2) Стволы берез рисуем белой гуашью, тёмные черточки добавляем акварелью.

3) Рисуем отражения деревьев на воде, добавляем мелкие травинки.

Картина готова; после полного высыхания лист рекомендуется положить под пресс (например, стопка книг), чтобы бумага вернула свою изначальную форму.

Источник

LiveInternetLiveInternet

—Рубрики

• Пером и кистью. (2730)
• TV. Кино и Подмостки (1687)
• Обо всем (1468)
• Интересно (1004)
• Кумиры (846)
• Видео/Фото/Фильмы/Концерты. (824)
• Старый, добрый шлягер (792)
• Музыканты,художники, композиторы, поэты, писатели (726)
• Истории (709)
• Аудиоальбомы (691)
• Джаз,Рок,Блюз. (688)
• СуперStars (610)
• УЛЫБНЕМСЯ И МЫ (483)
• Суперхит XX века (468)
• Звезды в «Музыкальной гостиной» (410)
• «СССР» — ретро (376)
• Бельканто (Любимые голоса) (285)
• Одесские истории (234)
• Русский шансон (234)
• Культура, искусство, история (228)
• Музыка на века (224)
• Легенды русского шансона. (216)
• Опера, оперетта, классическая музыка, балет. (205)
• Лирика романса (174)
• Маленький ретро концерт (163)
• Биографии (163)
• История классики шансона (140)
• Музыка ретро (113)
• Песня.Романс (104)
• Звезды русской эмиграции (83)
• Мемориал (77)
• Петр Лещенко (50)
• шансон (40)
• Литературный раздел (11)

—Метки

—Я — фотограф

Женский образ в живописи 18-20 веков часть 1

—Поиск по дневнику

—Подписка по e-mail

—Статистика

✨ 11 лучших акварелистов современности и их картины

Вторник, 08 Декабря 2020 г. 20:31 + в цитатник

Сегодня акварель очень востребованная техника, ею увлечены очень многие именитые живописцы, возведшие ее в ранг высокого искусства. Международные фестивали и выставки, экспозиции в музеях и галереях, — всюду витает дух акварели. В нашей публикации мы представим вам самых лучших современных представителей этой техники, которым удалось овладеть ею в совершенстве и научиться создавать работы невероятной красоты.

И прежде чем начать нашу обзорную экскурсию по галереям прославившихся на весь мир акварелистов, хотелось бы сказать, что эта техника в изобразительном искусстве довольно молода, а также и то, что акварель до сих пор считается самой сложной техникой в живописи.

Несколько любопытных фактов об акварели

Наверняка многие читатели удивятся тому, что техника акварели появилась значительно позднее масляной живописи. Первые упоминания об этой технике, как живописном средстве, относятся к началу 19 века. Тем не менее, прообраз акварели был известен еще со времен древнего Китая, древнего Египта и стран античного мира. Это были более древние водорастворимые краски – сепия, китайская тушь, славкармин, имевшие более плотную и непрозрачную консистенцию.

Акварель стала похожей на современную по качеству и свойствам лишь в 15 веке, а вот в том виде, в котором ее используют сейчас — она стала использоваться лишь на рубеже 18-19 века.
До того времени акварель применяли в основном для украшения церковных книг, ею выполнялись орнаменты, миниатюры и заглавные буквы. А также эта удивительная краска использовалась художниками в разработке будущих картин в качестве подмалевка, в эскизах и зарисовках.

Очарование городских пейзажей в акварелях индийского художника Прафул Савант (Prafull Sawant)

Прафул Савант (Prafull Sawant) считается одним из ведущих реалистов мира. Живописец-акварелист родился и вырос в семье известных индийских художников, и его первыми учителями и наставниками были отец и старший брат. Впоследствии Prafull Sawant окончил знаменитую школу искусств в Мумбаи. После окончания обучения он посетил Рим, Париж, Флоренцию, много путешествовал по миру, участвовал в конкурсах и выставках художников-акварелистов как в Индии, так и далеко за её пределами.

На уникальный авторский стиль художника, безусловно, оказало огромное влияние изучение живописи старых европейских мастеров, с которой он познакомился в музеях и галереях Рима, Парижа и Флоренции. К слову сказать, помимо акварели, Прафул работает еще гуашью, акриловыми и масляными красками. Однако предпочтение отдает все же полупрозрачной нежной акварели. Работает художник зачастую на пленэре, чтобы быть как можно ближе к источнику вдохновения.

Его уникальный стиль критики характеризуют умелым слиянием портрета, пейзажа и современных архитектурных форм. Именно этот стиль помогает художнику рассказать о его родной Индии и местных жителях. Немного «пыльные» пейзажи с легкостью переносят зрителя на далекие улицы Дели и зачаровывают с первого взгляда.

Прафул Савант — лауреат десятков международных и национальных премий в США, Австралии и Индии. На его счету – свыше до 100 выставок по всему миру, более 50 международных профессиональных наград, победы в престижных конкурсах. С секретами своего мастерства художник делится, давая многочисленные мастер классы по многим городам мира.

Невероятные пейзажи в акварели Джо Фрэнсиса Доудена

Художник Джо Фрэнсис Доуден (Joe Francis Dowden) родился в 1958 году в Англии. Профессиональную карьеру художника начал в 1982 году. Доуден широко стал известен в первую очередь за счет акварельных пейзажей, которые настолько гиперреалистичны, что выглядят как фотографии. За годы творческой карьеры художник выпустил ряд обучающих книг и видео, на которых делится профессиональным опытом. Помимо этого, Джо Доуден часто проводит мастер-классы по живописи в различных странах. К слову, в 2014 году подобные мероприятия проводились и в России.

Как опытный акварелист Доуден советует начинающим художникам, стараться не упрощать технику, а наоборот, усложнять как можно больше. Его многослойные акварели вызывают у публики незабываемый восторг.

И еще, проводя мастер классы, он настоятельно рекомендует своим последователям рисовать не сам ландшафт, а свет: «Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии в лучах солнца. Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом — вид.»

Магия балета в акварели от Лю Йи

Китайский художник-акварелист Лю Йи родился в Шанхае (Китай). Там же окончил Восточно-Китайский педагогический университет (художественный факультет) и занялся преподавательской деятельностью в шанхайском колледже Искусства и Дизайна. Сейчас он широко известный во всем мире мастер акварели, является членом Ассоциации китайских художников и состоит в Обществе Акварелистов.

Акварельные работы этого талантливого китайского живописца часто называют искусством об искусстве. А все потому, что излюбленной тематикой Лю Йи является балет и театр. Герои его акварелей — утончённые образы балерин и классических музыкантов, внутренний мир и настроение которых художник мастерски передал зрителю с помощью нежной полупрозрачной краски. Их образы как будто проступают из темной мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то степени они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Удивительно изящные акварели китайского художника удостоены множества наград, в том числе высшей награды Седьмой национальной выставки изобразительных искусств и высшей награды Китая на выставке акварельной живописи. Уже немало лет картины Лю Йи продаются на аукционных торгах Sotheby’s и хранятся в Национальном музее Китая как национальное достояние.

Живые акварели турецкой художницы Рукие Гарип

Рукие Гарип родилась в 1964 году в городе Бартын, Турция. В 1985 году окончив факультет живописи и графического дизайна университета Гази (Gazi Universitesi), жила в Анкаре, трудилась в области графического дизайна. Через пару лет, решив заняться творчеством, основала керамическую мастерскую. Но с керамикой у художницы как-то не сложилось.

С 1990-х Рукие перешла на преподавательскую должность учителя рисования в школу, где проработала 20 лет. Лишь уйдя на пенсию, раскрыла в себе невероятный творческий потенциал и стала профессиональной художницей. В настоящее время она живёт в родном городе Бартын и пишет потрясающие акварельные работы в собственной мастерской.

«Все, что дает нам природа, я стараюсь перенести в свои работы, сделать их реалистичными и живыми. Каждое прекрасное мгновение, которое дает нам природа, я хочу отразить в своих работах, каждую деталь, пусть даже самую мелкую, передать с помощью акварели на бумаге» ,— так говорит о своем творчестве Рукие Гарип.

Разумеется, что в рамках небольшой статьи невозможно разместить всех выдающихся мастеров акварели с мировым именем, но при желании вы можете, пройдя по ссылкам после каждой обзорной фотографии, самостоятельно попутешествовать по галереям выдающихся акварелистов современности и узнать о них много интересного.

Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic)

«Акварель нельзя контролировать или приручить. Её надо объезжать, как дикую лошадь», — так высказался однажды о своём взаимоотношении с акварелью выдающийся австралийский художник с хорватскими корнями Джозеф Збуквич. Пожалуй, через 40 лет успешной творческой деятельности можно констатировать, что строптивая «лошадь» ему поддалась. И теперь его имя навсегда вписано в историю современного искусства золотыми буквами.

Источник