Преподавание рисунка, живописи, композиции. Инструктивно-практический метод
Представьте, что тренер по фигурному катанию обучает воспитанников как учитель математики — все сидят и пишут в тетрадях о том, как нужно выступать на льду. И, хотя я ничего не смыслю в фигурном катании и математике, совершенно очевидно, что такой способ преподавания выглядит по меньшей мере комично. Подобным образом будет выглядеть и преподавание рисунка или живописи, если не учитывать их специфику.
Конечно, обучение изобразительному искусству подразумевает как теоретические дисциплины, так и практические занятия. Но практические занятия рисунком, живописью и композицией считаются основными предметами, а теоретические — неотъемлемым дополнением. Почему так? Потому что наличие теоретических знаний и умение их применять — это разные вещи. Причем на развитие второго нужно больше времени. Здесь необходимо иметь практические навыки — а это и мышечная память, и понимание, и умение анализировать, и умение по-особому видеть натуру… Например художники, которые забросили творчество и долгое время не практикуют, могут столкнуться с такой проблемой: умом они всё понимают, а рука не слушает.
Среди теоретических дисциплин, помогающих обучению живописи, можно перечислить такие: цветоведение, перспектива, пластическая анатомия, технология живописи… Конечно, кто-то может сказать, что и эти учебные предметы подразумевают выполнение практических заданий и упражнений. Это так. Однако, конечная цель этих занятий заключается в усвоении теории, которая будет применяться художником в рисовании или практической работе над живописью.
Кроме вышеперечисленных дополнительных учебных предметов, для овладения искусством живописи очень большое значение имеют опыт и наработки конкретного художника-педагога, которые он передаёт учащимся в процессе их практической работы. Эти ценные знания содержат множество теоретических моментов. Однако, они тесно сопряжены с практикой. Поэтому художник-преподаватель делится ими по ходу выполнения студентами учебных заданий. Конечно, преподаватель может начать урок с обсуждения теории. Но это будет бесполезно без дальнейшей практической части занятия.
Поэтому в преподавании рисунка, живописи и композиции доминирующим способом является инструктивно-практический метод. Например, стоит натюрморт, стоит холст на мольберте, студент пишет этот натюрморт в соответствии со своим уровнем подготовки. В процессе работы преподаватель объясняет какие-либо аспекты, которые актуальны в отношении конкретного учащегося. Также преподаватель может поделиться своими наработками как с отдельным студентом, так и со всей группой. Здесь определяющим является индивидуальный подход. У одного учащегося может быть проблема с рефлексами в живописи. У другого отсутствует светотень на предметах. А у третьего — слабым местом является неправильно переданные пропорции. Проходя между мольбертами, преподаватель подмечает всё это и помогает каждому в преодолении его проблемы.
И здесь мы подходим к самому интересному. Как преподаватель помогает учащимся? Если он рисует за них — то это, как минимум тупиковый путь. Так он «поможет» им стоять на месте и профессионально не развиваться. Здесь художник-педагог должен объяснить теорию, разъяснить принцип, все «разложить по полочкам», обогатить свой рассказ простыми и понятными примерами. В каких-то случаях нужно и буквально взяться самому за кисть и что-то показать наглядно или что-то исправить в студенческой работе. Но степень этого вмешательства должна быть разумной, а лучше минимальной. В дополнение к вышеперечисленному, очень полезным оказывается анализ живописных произведений известных художников. Когда учащиеся видят как работают мастера и, более того, слышат как преподаватель объясняет суть на примере этих иллюстрации, то это раскрывает им глаза на многие вопросы.
Всё вышеперечисленное становится возможным посредством инструктивно-практического метода преподавания: ученик выполняет задание, преподаватель — помогает. Но для этого сам педагог должен уметь рисовать и иметь практический опыт. Чем лучше он владеет искусством живописи, тем лучше у него получится объяснить те или иные моменты другим. Но бывает и так, что преподаватель является очень талантливым художником, а объяснять материал другим ему сложно даётся. Поэтому здесь, конечно, важно и мастерство художника и методическое мышление. Но если эти качества соединяются воедино, то преподавание будет наиболее эффективным.
Источник
Методика преподавания рисунка в художественной школе. Передача свето-воздушной среды
Урок рисунка в 4 классе детской художественной школы, начинается с компоновки листа и построения. Оси симметрии, эллипсы, линии простроения, определение пропорции предметов — всё это неотъемлемые стадии рисунка. Однако, сейчас я остановлюсь на тональной проработке листа. Выполнив построение предметов, учащиеся приступают к штриховке. Конечно, в каждой школе свои традиции, но обычно, работа над рисунком делится на 3 этапа: 1) Построение. 2) Лёгкая проработка тоном теневых частей предметов. 3) Заключительная стадия — тональная проработка рисунка, передача светотени. И сейчас мы рассмотрим подробно, именно, этот третий этап рисунка. Прежде чем штриховать, учащийся должен понять характер освещения натюрморта: направление света, какой этот свет — контрастный или рассеянный. При контрастном освещении тени от предметов будуть иметь чёткие границы, а при рассеянном, наоборот, будут размытыми. От направления света будет зависеть расположение самого светлого места в натюрморте. Конечно, собственная окраска предмета тоже влияет на то, где будет самое светлое пятно (например белая чашка). Однако, сейчас я рассматриваю этот вопрос в контексте задачи урока, а именно — передача свето-воздушной среды. Именно поэтому в теме урока обозначен натюрморт из предметов одинаковой окраски на сером фоне. В такой постановке учащиеся столкнутся с задачей — как сделать так, чтобы предметы не сливались по тону друг с другом. И здесь стоит вспомнить извстный принцип в изобразительном искусстве — не бездумно срисовывать, а понимать суть: законы светотени и т. д. Таким образом, предмет, расположенный ближе к источнику света будет, светлее, чем тот, что дальше от него. Тот же закон применим и к освещению плоскостей (стены, драпировок, стола…) в постановке. Та часть плоскости, что ближе к источнику света (например, электрической лампочке) будет более светлой, чем та, что дальше. Здесь важно чувствовать общий тон, а не тон отдельных силуэтов. Законы светотени применимы не только к отдельным предметам, но и ко всему натюрморту. Если учащиеся поймут это, то фон в их рисунке будет не только освещённым, но и объемным. То есть будет передано пространство. Фон не будет плоским. Это и есть передача свето-воздушной среды. Однако, это не все способы её передачи. Чёткость контура силуэтов — ещё очень важный момент. Если художник заштриховывает лист одинаковым штрихом это не есть хорошо. Второстепенные части композиции — вторые или третьи планы, могут быть заштрихованы несколько «небрежно». Штрих может быть «мягким», широким. Контуры силуэтов могут быть более размыты. Композиционный центр, особенно если он совпадает с первым планом, наоборот, требует детальной проработки, аккуратности, хорошей заточенности карандаша. Сам контур главного предмета должен быть чётче, чем контур второстепенных силуэтов второго плана. Если выше перечисленные приёмы учащиеся понимают, а не бездумно используют в своей работе, то рисунок становится цельным и выразительным. Эти базовые понятия им будут нужны не только в рисунке, но и в живописи и других видах изобразительного искусства.
Хрестоматия «РИСУНОК. ЖИВОПИСЬ. КОМПОЗИЦИЯ»
Составители: Н.Н. Ростовцев, С. Е. Игнатьев, Е. В. Шорохов Москва «Просвещение» 1989 г.;
«ШКОЛА ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА»
выпуск 2-ой, редактор: И. Абельдяева, издательство Академии художеств СССР, Москва, 1960 г.
TEACHING PATTERN IN ART SCHOOL
Lesson drawing in 4 class children’s art school, begins with a layout sheet and build. Axis of symmetry, ellipses, lines prostroeniya, the definition of the proportions of subjects — all are integral stage of the drawing. However, now I focus on tonal elaboration of the sheet. After completing the construction of objects, students begin to hatch. Of course, in every school in their own traditions, but generally, work on the drawing is divided into 3 phases: 1) Construction. 2) Easy to study tone shadow of the subjects. 3) The final stage — tonal study the figure, the transfer of light and shade. And now we shall consider in detail, namely, the third stage of drawing. Before the stroke, the learner must understand the nature of light still life: the direction of the light which the light — contrasting or scattered. With contrasting light shadows of objects will have a clear boundary, while scattered, on the contrary, will be blurred. The direction of the light will depend on the location of the lightest seats in the still life. In this setting, students are faced with the problem — how to make sure that objects are not blended in tone with each other. And here it is worth remembering izvstny principle in art — not mindlessly take rubbings, and understand the essence: the laws of light and shade, etc. Thus, an object located closer to the light source will be brighter than that away from him. The same law applies to the coverage of the (wall hangings, table …) in a statement. That part of the plane that is closer to the light source (eg light bulbs) will be lighter than that, what’s next. It is important to feel the overall tone, but not the tone of the individual silhouettes. The laws of light and shade are applicable not only to individual subjects, but to the entire still life. If students understand this, then the background in their figure will not only lighting but also interior. That is, will be transferred to the space. The background is not flat. This is the transmission of light and air. However, it is not all methods of transmission. Sharpness of the contour of silhouettes — is still very important point. If an artist is the same shade leaf stroke is not good. Minor part of the composition — the second or third plan could be hatched by a few «casual». Bar can be «soft» wide. The contours of the silhouettes can be more blurred. Compositional focus, especially if it coincides with the first plan, by contrast, requires detail, accuracy, good sharpened pencil. Sam outline the main subject should be clearer than the secondary circuit of silhouettes of the second plan. If the above mentioned methods, students understand and do not mindlessly use in their work, the figure becomes solid and expressive. These basic concepts they will need not only in the figure, but also in painting and other forms of art
References: A Reader «PICTURE. PAINTING. COMPOSITION «Compiled by: NA NA Rostovtsev, S. E. Ignatiev, EV Shorokhov Moscow» Education «1989;
«ART SCHOOL » Editor: I. Abeldyaeva, publisher USSR Academy of Arts, Moscow, 1960
Источник
Методика преподавания рисунка, живописи и композиции в ДХШ
Рисование с натуры является методом наглядного обучения и дает прекрасные результаты не только в деле обучения рисунку, но и в деле общего развития ребенка. Рисование с натуры приучает мыслить и целенаправленно вести наблюдения, пробуждает интерес к анализу натуры и тем самым подготавливает школьника к дальнейшей учебной работе.
При обучении рисованию учитель должен иметь в виду, что целью изучения формы предмета является не только знакомство с его внешней формой, но и знакомство с понятиями, выраженными этой формой, что крайне необходимо для усвоения других учебных предметов: математики, физики и т. д.
Процесс познания объективной реальности во многом зависит от степени развития зрительного аппарата, от способности человека анализировать и синтезировать получаемые зрительные впечатления. Рисование с натуры располагает большими возможностями для развития этой способности.
Как бы ни была мала задача, поставленная учителем перед ребенком на уроке рисования, решение ее невозможно без значительной активизации его умственной деятельности. В учебном рисунке процесс познания натуры является не простым созерцанием, а переходом от единичных и неполных понятий о предмете к полному и обобщенному представлению о нем. Рисуя с натуры, ученик внимательно рассматривает натуру, старается отметить ее характерные особенности, понять структуру предмета. При рисовании с натуры понятия, суждения и умозаключения о предмете становятся все более конкретными и ясными, ибо находящаяся перед глазами натура доступна зрению, осязанию, измерению и сравнению.
Например, ученик, рисуя гипсовый орнамент, видит на выпуклой форме предмета темное пятно, — ему кажется, что там впадина. Однако, подойдя к предмету и потрогав форму пальцем, он убеждается, что там не впадина, а выпуклость. Поэтому в начальных классах целесообразно занятия изобразительным искусством строить по двум направлениям — изучение формы путем зрения (рисование с натуры) и путем осязания (лепка). Такой метод изучения формы дает прекрасные результаты, и мы знаем, что многие художники им часто пользовались. Так, И. Е. Репин в своих воспоминаниях о Крамском писал, что, работая над образом Христа, Крамской, желая яснее представить себе выразительность пластики формы головы, был вынужден вылепить ее из глины: «Он снял на станке мокрые покрывала, и я увидел ту же удрученную голову Христа, вылепленную из серой глины. Я не видел еще никогда только что вылепленной скульптуры и не воображал, чтобы из серой глины можно было вылепить так чудесно. Чтобы добиться легче рельефа и светотени».
Другой пример: при рисовании в перспективе геометрического тела ученику кажется, что высота и ширина предмета одинаковы. Однако, измерив их, он убеждается, что величина сторон разная. Или такой пример. Дети в первом классе, рисуя с натуры лист тополя, часто плохо улавливают характер формы; когда им для сравнения пока- зывают лист березы, сирени, липы, они начинают быстро подмечать характерные особенности формы листа тополя.
Ни один учебный предмет не обеспечивает такого активного внимания учащихся к предмету, к анализу его строения, как рисование с натуры.
Еще великие итальянские художники указывали, что рисование с натуры является лучшим методом обучения. Во всех трактатах по изобразительному искусству рисунок с натуры выдвигается на первое место. Это положение верно не только для профессионального обучения, но и для элементарного обучения рисованию в общеобразовательной школе. Жан-Жак Руссо писал: «Детям крайне полезно заниматься рисованием не для самого искусства, но для приобретения верного глаза и гибкой руки. Но рисовать дети должны не с моделей, а прямо с оригиналов, с природы. Здесь важно не столько приобретение умения рисовать согласно законам и требованиям этого искусства, как приобретение более точного глазомера, верной руки, настоящих отношений к величине и виду разнообразных предметов, более быстрого понимания действий перспективы».
Большое значение рисование с натуры, и особенно перспективное рисование, имеет для развития пространственного мышления и воображения. Уже при знакомстве с элементарными правилами перспективы происходит сложнейший процесс пространственного мышления. Сложность передачи трехмерности объемного предмета при изображении на плоскости листа бумаги заставляет ученика развивать пространственное мышление и воображение. Всякое графическое выражение мысли основывается на умении зрительно представлять изображаемые предметы. Рисовальщику необходимо ясно представить конструкцию предмета, взаимосвязь его частей, характер формы, положение предмета в пространстве.
Развивая у учащихся способность к ясным образным представлениям, рисование с натуры влияет и на развитие памяти. В жизни человека роль образной памяти огромна. Но влияние рисования с натуры не ограничивается только образной памятью, оно сказывается и на других видах памяти: двигательной, эмоциональной и словесно-логической.
На основе ясных представлений о предметах, образной памяти у ученика развивается и способность воображения.
Во время рисования с натуры развивается и абстрактное мышление. Дать конструктивный анализ формы предмета, не прибегая к абстрактному мышлению, невозможно, а в рисунке постоянно приходится иметь дело с конструктивным анализом. Причем надо отметить, что рисование с натуры, как никакой другой вид изучения формы предмета, дает возможность развивать все моменты процесса абстрактного мышления.
Таким образом, мы видим, что обучение рисованию способствует общему развитию человека.
Рисование с натуры в общеобразовательной школе предусматривает не только изображение предметов средствами светотеневого рисунка (рисунок карандашом), но и обучение элементам живописи.
В задачу обучения живописи входит изображение с натуры отдельных предметов, несложных натюрмортов, интерьеров и пейзажей. Знакомясь с элементами живописи, учащиеся овладевают техническими приемами работы цветными карандашами, акварельными и гу-ашевыми красками. В первых классах учащиеся рисуют акварелью предметы природы (листья, насекомых и т. д.), еще не пользуясь смешением красок. С третьего класса они учатся подбирать сходный с натурой цвет путем смешения красок, а также знакомятся с использованием цветных прокладок цвета. В четвертом классе школьники рисуют акварелью предметы объемной формы (фрукты, посуду) — сначала, как и в предшествующих классах, на белом фоне, а в конце года — на светлом цветном. В пятом-шестом классах в рисовании с натуры акварелью основной упор делается на правильную передачу соотношений цвета в группе предметов и на передачу объемности. В этих классах учащиеся используют приемы работы по-сырому, овладевают умением работать акварелью на основе использования приемов повторных прокладок цвета, слияния цветов.
При обучении живописи учителю надо иметь в виду, что дети с радостным чувством воспринимают все окружающее. Однако детские впечатления, как бы непосредственны они ни были, постепенно превращаются в мысли. Задача педагога — не убивая в ребенке этого вдохновенного порыва, методически умело подвести к правильным представлениям о мире. Поэтому учащихся надо знакомить с основ- ными положениями цветоведения, научить правильно пользоваться цветом и тоном для передачи своих зрительных впечатлений от натуры (теплый, холодный тон), передавать игру света и цвета на предметах, не отходя от зрительной достоверности изображаемого.
Рисование с натуры является прекрасным средством эстетическо
го воспитания детей. Рисуя с натуры пейзаж, дерево, цветок, изучая
характер формы этих предметов, ребенок проявляет интерес к красо
там природы, к богатству и разнообразию ее форм и красок. Он видит
пропорциональное соотношение частей и целого, улавливает ритм и
гармонию форм природы, цветовых оттенков. Развивая у детей на
блюдательность, чутье, мы тем самым решаем и задачи эстетическое
го воспитания.
Академический рисунок в ДХШ: от натюрморта к рисунку человека Академический рисунок является основополагающей дисциплиной в системе художественного образования. Рисунок – основа всех видов изобразительного искусства. Знание академического рисунка необходимо каждому профессиональному художнику, независимо от того, какого направления в искусстве он придерживается. Для успешного выполнения любой художественной задачи, учащийся должен хорошо владеть искусством рисования, и это одно из важных профессиональных качеств будущих художников. В связи с этим подготовке по рисунку всегда уделяется основное внимание. Основные принципы программы: Программа по рисунку опирается не только на опыт предыдущих десятилетий, но и на опыт русской реалистической школы в области методики обучения рисунку. Здесь четко соблюдаются принципы наглядности, последовательности, посильности и доступности обучения. Так, в рисунке, начиная с момента композиционного размещения изображения на листе бумаги и до окончательного завершения его, учащиеся с помощью педагога усваивают правила графического изображения и законы построения формы, перспективного построения, распределения света на предметах. Учащиеся получают некоторые сведения о пластической анатомии человека, животных, учатся изображать фигуру и портрет человека. При этом учащиеся приобретают навыки последовательного ведения рисунка по принципу: от общего к частному и от частного — к общему, а также осваивают технические приемы рисунка — от самых простых до более сложных.
Предмет «композиция» ведущая дисциплина в детской художественной школе. Она помогает формированию творческого мировоззрения и развивает художественное, образное мышление. Прививает умение видеть и понимать жизненные явления, помогает выявлению и развитию индивидуальных наклонностей и способностей учащихся. Работа над композицией развивает творческие способности, приучает к самостоятельности, дает возможность передать свое восприятие мира. Курс станковой композиции является на сегодняшний день одним из актуальных в художественной школе. В его задачу входит знакомство учащихся с ролью творческого сочинительства в жизни художника. Предмет необходим для профессиональной ориентации учащихся, для более осознанного выбора будущей профессии. Основные принципы программы: Предлагаемая программа основывается на единстве задач обучения и эстетического развития учащихся. Концепция программы заключается в строгой последовательности изучения традиционных композиционных базовых законов и правил, навыков и умений и освоения учащимися новых принципов композиционного анализа. Композиция в данной программе понимается широко: не только как выполнение сюжетно – тематического произведения, но и как сознательная деятельность по организации всех элементов изображения для реализации определенного замысла. В течение всех лет обучения учащиеся осваивают и развивают умение раскрыть тему композиции средствами различных жанров живописи и графики: натюрморт, пейзаж, интерьер. Основная цель учебного предмета «станковая композиция»: дать учащимся понятие об основных элементах композиции, без которых невозможен грамотный, сознательный подход к творчеству. Освоение определенного объема знаний, умений и навыков, которые позволят учащимся четко и грамотно вести самостоятельную работу над станковой композицией.
Источник
