Китайская японская живопись акварелью

Японская акварельная живопись Суми-э

В стране восходящего солнца в древние времена среди образованных представителей мужского пола было популярно одно интересное увлечение – роспись черной тушью и японская живопись акварелью. Подобная роспись нашла свое признание, как в Японии, так и в Поднебесной. Данную технику в этих странах называли двумя способами – суми-э и шибокуга.

Живопись Суми-э по своей стилистике очень близка к акварели, но имеет существенное отличие – использование исключительно только серого и черного цветов. Главную роль в исполнении этой техники играют тени, интенсивность цвета, плотность бумаги и сила нажатия мазков. Все эти эффекты регулируются двумя составляющими – тушью и водой.

Освоение этого вида изобразительного искусства вырабатывает у человека такие качества как усидчивость, старательность и терпение.

Немного из истории суми-э

История живописи суми-э насчитывает боле двух тысяч лет, корни идейной традиции этого жанра уходят глубоко в философию дзен-буддизма; именно буддийские монахи были одними из первых художников, практиковавших технику росписи черной тушью. Ежедневные многочасовые медитации прекрасно сочетались с занятиями искусством, которое также требовало ясности ума, простого набора инструментов и высокой концентрации.

Обучению суми-э в монастырях и храмах предшествовал особый курс медитаций, призванный пробудить творческие способности художника и максимально настроить его на процесс рисования. По достижении наивысшего созерцательного состояния ученики начинали готовиться к творческому процессу, готовили тушь, воду, кисти, а также шелк или рисовую бумагу в качестве холста.

Овладеть искусством вариации тона и насыщенности мазков можно было лишь при полной отдаче процессу творчества, а создание изображения в подобной технике требовало настоящего мастерства и кропотливой работы, более тонкой и трудной, нежели в работе с ярким цветом.

Суми-э в определенной степени стало отражением кодекса поведения самурая или Бушидо. Перед битвой самурай должен был полностью отрешиться от окружающего мира, успокоиться и сфокусироваться на внутреннем своем состоянии, все эти качества в обязательном порядке должен был взрастить в себе мастер суми-э, чтобы в его движениях не было страха, а лишь уверенность и легкость.

Источник

Традиционная акварель Китая и Японии

Добрый день, уважаемые читатели!
Совершим небольшой экскурс по странам, которые были первыми в использовании акварельной краски. К таким странам, традиционно, относят Китай и Японию. Итак, начнем.

Традиционно, Китайская акварель носит в себе символичный и можно сказать иносказательный характер. Изначально акварельными красками рисовали на бумаге (в том числе и рисовой), но постепенно в искусстве акварельной живописи начали использоваться и другие материалы. Рассвет акварельных красок в Китае пришелся на 8 век н.э., в период правления династии Тан.

Большинство из известнейших китайских художников служили при императоре в качестве секретарей. К сожалению, само понимание акварельной живописи на тот период времени не существовало. Но известно что существовала техника водяной живописи, которая по техникам и картинам напоминает акварель в современном ее понимании. Изображая различные объекты природы — пейзажи, животных и другие, художники зачастую делали дополнительные надписи на картинах.

Около 2000 лет назад, согласно историческим источникам, в Китае впервые появилась так называемая мягкая бумага. Особенность этой бумаги заключается в том, что она не позволяет наносить краску многослойным способом. Работа по такой бумаге заключается в том, что цветовое пятно, которое наносится на бумагу должно быть уже достаточно ярко и насыщенно, а мелкие детали прорисовываются дополнительно кончиком кисти или пером. Со временем, качество бумаги улучшалось, но традиция рисования на ней осталась прежней.

Одним из классических материалов китайской акварели — тушь. Как и в древние времена, акварельная тушь, изготавливается по старым рецептам вручную, разница лишь в том что раньше она хранилась в виде пластинок, которые необходимо было растирать на камне и добавлять воду.

Современную же акварельную тушь можно найти в виде небольших брикетов. Благодаря своему составу, который китайские мастера держат в секрете, тушь легко впитывается в бумагу или шелк и после высыхания уже не смывается.

Особенность китайской живописи, в том числе и акварельной — это раскрытие большого через малое. Созерцание природы и желание передать увиденное великолепие — главное желание китайских художников времен правления династии Тан. В каждой картине можно увидеть отношение художника к мирозданию. Но, с каждым рисунком каждого художника, за объектами закреплялись определенные символы. Так, пионы стали обозначать богатство, хризантемы — осень, а сосны, соответственно, долголетие. Еще одна особенность китайских художников — раскрытие большого через малое. Художники передают нам не только правдивые жизненные явления в окружающем мире (и в природе в целом), но и стараются передать неуловимый миг движения мироздания.

Школа китайской акварели, была создана под влиянием богатейшей китайской культуры, усилиями нескольких поколений художников. Эта школа акварельной живописи имеет свой неповторимый почерк, национальный колорит и самобытность, которая сквозь века проносит в себе дух времен.

В 4-6 веках н.э., в период правления династии Кофун и Асука, во время преемственности страной восходящего солнца буддизма и китайских традиций, в страну было завезено множество произведений искусства. После чего, в Японии , начало бурно развиваться живопись по аналогии с китайским стилем. В это же время в страну и пришла акварель. В последствии, живопись в Японии нашла свой отклик в религиозном направлении. Не протяжении 14-15 веков, традиционным картинами в акварельной технике, выполненные японскими художниками были монохромные пейзажи, которые украшали дворцы военной элиты и аристократов. Такими выдающимися художниками того периода были Китидзан Минтё, Дзёсэцу и Сэйссю Тойо. В 14-16 веках в Японии начал развиваться стиль рисования под названием «суми-э».

Традиционно, в Японии, как и в Китае, образованные древние жители мужского пола увлекались росписью тушью и японской живописью акварелью. Примерно в 7 веке нашей эры, японские монахи привезли эту технику рисования из Китая. Суми-э (или в Китае «сайбокуга») — стиль изображения, который очень близок к акварели. Но, существенным его отличием является использование только двух цветов — черный и серый. При рисовании в этой технике главными являются тени. Это они позволяют передать глубину рисунка, а интенсивность нанесения краски и сила нажатия мазков передают эмоциональную окраску картины. Все это передается только благодаря туши. Поэтому стиль Суми-э — это монохромная живопись тушью.

Традиционно, эта техника использовалась японскими монахами-буддистами для познания дзена. Примерно в 16 веке н.э., начало появляться множество художников этого направления, большинство из которых были самурайского происхождения. В пейзажах этого периода японская акварель уже становится вполне самостоятельной, но до сих пор несет в себе отпечаток своего китайского происхождения.

Ориентация на образцы китайской живописи во все времена была свойственна японской монохромной живописи. Но, благодаря своей удивительной способности к интерпретации, японские художники привнесли в этот стиль свое неповторимое и уникальное видение.

Впитав в себя дух и мистику буддизма, суми-э воплотила в себе основные мотивы этой религии. Как, несколько произнесенных слов, проведенных в многих часах медитации в Дзен, так и простые линии, написанные черной тушью могут представлять в себе сложную модель мироздания. Образы, воспроизведенные в этой технике, художник хранит в своих воспоминаниях, поэтому этот стиль акварельной живописи передает суть вещей, а не их прямое изображение.

Надеюсь вам был интересен этот небольшой экскурс в тему акварельной живописи. Если Вам было интересно, советую также почитать Техники акварельной живописи , послойная техника акварельной живописи , свет в акварели , дополнительные методы для работы с акварелью или же окунуться в мир современных художников-акварелистов, которые рисуют гиперреалистичные картины в этой технике.

Спасибо большое за внимание!
Подписывайтесь на канал, для меня это важно! 🙂

Источник

Четыре особенности, два стиля и главные цветы китайской живописи

Китайская живопись — отдельная вселенная в мире искусства. Со своей особой историей, традициями, законами, «звездами» и изобразительными техниками.

Изучать ее и совершенствоваться в ней можно всю жизнь. Однако любой путь начинается с первых шагов. Предлагаем их сделать сейчас вместе с нами — начать знакомство с китайской живописью.

В чем главные особенности традиционной китайской живописи? Какими принципами должен руководствоваться мастер, если хочет создать совершенное живописное произведение? Наконец, какие четыре цветка начинающий художник должен нарисовать в первую очередь?

Разобраться в основах нам поможет Светлана Плакасова — художник направления
Се-И, автор специального онлайн-курса по китайской живописи в нашей школе.

Конечно же, одной публикации не хватит, чтобы погрузиться в технику и теорию китайской живописи полностью. Поэтому я не буду пытаться объять необъятное, а постараюсь «прорисовать» самые значимые и интересные моменты. Постараюсь, чтобы вы прочувствовали самобытность этого вида искусства.

Особенности китайской живописи

Традиционная китайская живопись — это больше, чем просто изображения на рисовой бумаге. В ней слиты воедино философско-культурная, социальная, религиозная, этические функции, философия бытия.

Несмотря на то, что сюжеты произведений максимально реалистичны, китайские живописцы традиционных школ не пишут пейзажи, предметы или явления. Они живописуют дух и суть, саму природу вещей.

Минимальные средства при максимальной выразительности, глубокий символизм и в то же время сюжетная доступность, соотношение религиозного и светского —

вот отличительные черты живописных произведений традиционных китайских мастеров.

А главные особенности живописного произведения — это гармония энергий Инь и Ян, символизм и духовный смысл рисунка, связь с каллиграфией и доминирующее положение изысканной линии.

Гармония Инь и Ян

Гармония Инь и Ян в китайской живописи реализуется самым непосредственным образом, при написании картины тушью на рисовой бумаге. Линии и штрихи, пятна и размывка — все эти приёмы читаются как та или иная энергия.

Сухой штрих с эффектом непрокрашенности, как бы с естественными пробелами, оставляемыми движущейся кистью, так называемый парящий или летящий белый —
это Ян. Влажная, широкая линия — Инь.

Секрет шедевра в том, что таких разнообразных штрихов и пятен должно быть столько, чтобы все вместе они создавали гармонию.

Сухая чёрная тушь, влажная светло-серая, влажная чёрная, сухая светло-серая. Их вариативность и сочетание, объединенное с линией и рождает гармонию изображения.

Помимо этого, природа ИньЯн выражается и в строении самого объекта изображения.

Например, цветущая слива Мэй (мэйхуа). Её толстый старый ствол или ветка — Инь, а молодые, направленные вверх побеги — Ян. Но об этом цветке поговорим отдельно чуть позже.

Сюжетное своеобразие и символизм

В разные времена на разных этапах развития китайской живописи, в разных школах и традициях на первый план выдвигалась то бытовая повествовательная живопись, то пейзаж, то живопись цветов и птиц, то портрет.

Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени. Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.

Художественный образ в китайской живописи практически не содержит преходящих, случайных деталей, читается лишь в контексте определённой культурной традиции.

Это не значит, что китайскую живопись нельзя воспринимать непосредственно.

Просто в одном и том же живописном образе житель Поднебесной и европеец увидят разное. О работах китайских мастеров говорят, что их нужно уметь «читать».

Источник

Японская акварельная живопись Суми-э

В стране восходящего солнца в древние времена среди образованных представителей мужского пола было популярно одно интересное увлечение – роспись черной тушью и японская живопись акварелью. Подобная роспись нашла свое признание, как в Японии, так и в Поднебесной. Данную технику в этих странах называли двумя способами – суми-э и шибокуга.

Живопись Суми-э по своей стилистике очень близка к акварели, но имеет существенное отличие – использование исключительно только серого и черного цветов. Главную роль в исполнении этой техники играют тени, интенсивность цвета, плотность бумаги и сила нажатия мазков. Все эти эффекты регулируются двумя составляющими – тушью и водой.

Освоение этого вида изобразительного искусства вырабатывает у человека такие качества как усидчивость, старательность и терпение.

Немного из истории суми-э

История живописи суми-э насчитывает боле двух тысяч лет, корни идейной традиции этого жанра уходят глубоко в философию дзен-буддизма; именно буддийские монахи были одними из первых художников, практиковавших технику росписи черной тушью. Ежедневные многочасовые медитации прекрасно сочетались с занятиями искусством, которое также требовало ясности ума, простого набора инструментов и высокой концентрации.

Обучению суми-э в монастырях и храмах предшествовал особый курс медитаций, призванный пробудить творческие способности художника и максимально настроить его на процесс рисования. По достижении наивысшего созерцательного состояния ученики начинали готовиться к творческому процессу, готовили тушь, воду, кисти, а также шелк или рисовую бумагу в качестве холста.

Овладеть искусством вариации тона и насыщенности мазков можно было лишь при полной отдаче процессу творчества, а создание изображения в подобной технике требовало настоящего мастерства и кропотливой работы, более тонкой и трудной, нежели в работе с ярким цветом.

Суми-э в определенной степени стало отражением кодекса поведения самурая или Бушидо. Перед битвой самурай должен был полностью отрешиться от окружающего мира, успокоиться и сфокусироваться на внутреннем своем состоянии, все эти качества в обязательном порядке должен был взрастить в себе мастер суми-э, чтобы в его движениях не было страха, а лишь уверенность и легкость.

Источник

Китайская и Японская живопись, особенности. Полезные советы

Магия восточного искусства, Китайская и Японская живопись.

Мы говорили о бумаге, туши, красках, делились секретами. С удовольствием продолжим знакомить вас с секретами. С радостью отмечаем, что любителей восточной живописью становится все больше, мы хотели бы помочь определиться в выборе своего стиля, приглашаем в мир восточной живописи. Мы посещаем занятия, которые нам ближе по характеру, по атмосфере, у каждого из нас есть свой ритм и есть свои предпочтения.

Китайская живопись

Стиль Се-и

Современное Се-И. Светлана Плакасова

Се-И – передача фактуры, образа, подразумевает владение кистью, и, хотя о стиле говорят, что это грубое владение кистью, не многие мастера владеют этой изящной техникой. Набор туши и краски на кисть, точная передача формы и фактуры предмета, всего несколько движений кистью, высокое мастерство и неповторимые образы. Животные, растения, птицы, насекомые и, конечно, удивительные пейзажи.

Стиль Гунби

Гунби – тонкий, изысканный стиль, для создания работы в стиле гунби необходима усидчивость и готовность к длительному процессу, тщательная проработка мельчайших деталей. Следование ритуалу в создании работы: контур, тени, многослойная работа с тенями и цветом, детальная тщательная проработка.

Стиль Могуфа

Могуфа – «бескостный» или «бесконтурный», создание легкого полупрозрачного образа с красивыми переливами оттенков. Изображение нежное, мягкое, изысканное.

Японская живопись

Японская живопись – Суми-е и суйбокуга. Очарование монохромной живописи, владение кистью, широчайший диапазон технических приемов. Бокусайга – японская живопись, когда в работе помимо туши участвует цвет. Глубокие пейзажи, передача состояний природы.

Каждое из перечисленных выше направлений восточной живописи имеет свой собственный характер, манеру и стиль исполнения, технику владения кистью, цвето- и светопередачи образа, особые композиционные моменты.

Проникая в особенности монохромной живописи, важно разложить изображение на несколько оттенков туши, представить его в нескольких планах: ближе, дальше, учесть состояние света и атмосферу. Каждое «пятно» в работе привлекает внимание «зрителя». Техника исполнения работы, как и в других видах живописи, бесспорно, здесь есть масса приемов владения кистью.

Во время проведения занятий, преподаватель знакомит учеников с техниками, какая техника более выигрышно и полно отобразит то, что мы хотим нарисовать. Если в работу вводится цвет, он является вспомогательным, не основным. Современные японские художники с удовольствием используют цвет, но это уже бокусайга, поскольку в бокусайга предполагается применение цвета, как вспомогательный элемент, не контрастирующий с тушью.

Философия минимализма и вместе с тем тонкое чувство света, передача состояния природы посредством оттенков туши, света, яркого или приглушенного. Объем в изображении передается движением кисти, набор туши на кисть может быть градиентный, от светлого у основания кисти до темного у кончика. Каким будет «пятно» — элемент изображения, зависит и от положения кисти по отношению к бумаге, от свойств бумаги поглощать влагу, от набора туши на кисть. Художники, создавая пейзаж, иногда используют обе стороны картины, чтобы создать эффект дополнительного света, вечерние или ночные пейзажи.

Пейзажи, есть множество интересных технических приемов для отображения: дождя, тумана, мягкого снега, грозы, водопадов и морские пейзажи.

И, конечно, учимся, учимся у природы! Рассматриваем форму листиков, лепестков, веточки, форму кроны. Делаем зарисовки, скетчи. Чтобы легче было отобразить пейзаж в оттенках при монохромной живописи, выбираем фотографию, убираем насыщенность и цвет, получаем монохром, хорошо бы «сепию». Пробуем рисовать скетчи угольным карандашиком, делаем зарисовки.

Несколько полезных советов

• При работе в технике «гунби» — чтобы на работе не образовалась трещинка, обратите внимание, на натяжение листа бумаги на планшет, работая кистью в самых темных местах, при многократном нанесении тона, могут появится трещинки, и бумага может порваться. Будет жаль, если работу придется переделывать.
• Для работы в стиле «гунби», чтобы лучше понимать цвет, изучите таблицу сочетания цветов. При нанесении оттенков последовательно один на другой можно получить желаемый цвет. Лучше «дружить» с цветом, чтобы не было ошибок.
• Если работаем над монохромным изображением (японская живопись), пробуя снять излишний темный оттенок, промокнув аккуратно салфеткой, не затираем, можем повредить бумагу, во влажном виде она хрупкая.
• Помним о композиции, выбираем наиболее выигрышный ракурс и помним, что в восточной живописи белое поле тоже имеет значение!
• При работе с бумагой в пейзажах, помним, что есть бумага с памятью, которая запоминает движение кистью, ровного заднего плана не получится. Бумагу с памятью можно обработать резервами предварительно, лучше использовать бумагу без эффекта памяти.
• Если хотим красивые разводы туши, выбираем бумагу с хорошей впитываемостью. На кисть набираем тушь градиентно, и не забываем проверять, сколько влаги на кисти, чтобы не испортить рисунок.
• Если устали, лучше сделать перерыв и продолжить работу позже, после отдыха.
• Мастер класс — это занятие, во время которого мы учимся. Дома Вы можете повторить работу или нарисовать ее в более длительные сроки, соблюдая последовательность выполнения манипуляций, о которых говорил преподаватель.

О направлениях и стилях китайской живописи, японской живописи, а также историческая справка представлены на страницах Клуба Две Империи:

Источник