История акварели интересные факты

Красками по воде писано: 18 фактов об акварели

1. Акварель в переводе с французского слова aquarelle означает “водянистая”. Это такой вид красок, в которых растворителем является вода, в результате чего получаются легкие и полупрозрачные картины.

2. Впервые акварель появилась в Китае сразу после изобретения бумаги. А спустя какое-то время обрела популярность и в Японии.

3. Акварелью рисовали не только на бумаге, но и на шелке, дереве и других материалах.

4. В Европе акварель появилась намного позже – лишь в 13 веке. Но уже к 16-му веку акварельная живопись стала такой же популярной, как и живопись маслом. В конце 18 века акварель получает распространение в Англии, правда, первоначально это происходит среди любителей, а не профессиональных художников. Популярность в обществе приобретает портретная миниатюра. Однако вскоре в Англии появляется целая плеяда профессиональных художников-акварелистов. В 1804 году было основано Общество акварелистов.

5. Самая известная работа, выполненная акварелью, картина “Заяц” (1502 год) художника эпохи Ренессанса Альбрехта Дюрера.

6. Современные художники, работающие в технике акварели, используют не только классические акварельные краски и кисти, но и появившиеся акварельные карандаши, восковые мелки для проработки отдельных элементов и фрагментов картины.

7. Лучшей бумагой для акварели считается ватман, бристольский картон и торшон. Возвращаясь к краскам, используемым в акварельной живописи, стоит отметить, что в их состав, помимо водорастворимой клеевой основы и красителя, входят вещества, обеспечивающие краске пластичность (глицерин), предотвращающие скатывание с поверхности листа бумаги (бычья желчь), а также защищающие от плесени, появление которой возможно ввиду естественного происхождения элементов состава краски (фенол).

8. Самый известный английский мастер акварели – художник Уильям Тернер (да-да, имя как у персонажа из “Пиратов Карибского моря”). С помощью акварельных красок он создавал удивительные пейзажи. Его акварельная работа “Вид на дворец архиепископа Ламбет” экспонировалась на ежегодной выставке Академии художеств всего спустя год после начала его обучения в художественной школе. Тернер внимательно изучал мастеров прошлого и современных художников. Особенно его восхищали работы Клода Лоррена. Вдохновившись картиной “Отплытие царицы Савской”, Тернер написал “Дидону, основательницу Карфагена”, которую после своей смерти завещал повесить возле картины Лоррена.

9. Среди художников, работавших в технике акварели, стоит выделить также Ван Дейка и Дж. Кастильоне. Среди известных английских художников нельзя не упомянуть Д. Кокса, С. Праута, У. Г. Ханта, Ф. Уокера и многих других.

10. В России акварель стала популярной еще позже – лишь в 19-м веке. С ней связано имя русского художника Карла Брюллова, который применял разнообразную технику живописи, используя акварельные краски. Из-за своей тематики эти работы носили название “итальянский жанр”, поскольку чаще всего заказывались аристократами в качестве сувенира из Италии и призваны были служить развлекательным и декоративным целям. Наиболее известные работы – “Прерванное свидание”, “Портрет великой княжны Марии Николаевны” и “Итомская долина перед грозой”.

11. Общество акварелистов в Российской империи появилось в 1887 году, но после революции его деятельность прекратилась несмотря на то, что и в советский период интерес художников к акварели никогда не угасал. Возрождение произошло в 1998 году, когда появилось “Общество акварелистов Санкт-Петербурга”. В настоящее время действует Школа и Академия акварели С. Андрияки.

12. Интересно, что в России человек, в доме которого было хотя бы несколько картин, написанных акварелью, считался особенно состоятельным.

13. В состав медовых акварельных красок действительно входит мед. Благодаря ему краски становятся мягкими и остаются в жидком состоянии долгое время.

14. Гуммиарабик, который входит в состав акварели, собирается на акациях на территории Судана (80% мирового производства гуммиарабика). В прошлом это вещество применяли в разных отраслях промышленности как клеящее средство, сегодня кроме акварельных красок гуммиарабик применяют в пищевой промышленности. В кондитерском производстве с помощью этой смолы повышают стойкость эмульсий, уменьшают образование комков и пены.

15. Еще один интересный компонент акварельных красок – бычья желчь. Она позволяет краске ложиться на поверхность ровно (не капельками), облегчая таким образом процесс смешения разных цветов.

16. Белая акварельная краска бывает только в детских наборах. В профессиональных акварельных палитрах белого цвета нет, т. к. для получения белых частей картины художники просто не закрашивают эти фрагменты и белая краска им совсем не нужна.

17. Профессиональные акварельные картины, чтобы не выгореть на свете, могут выставляться на обозрение только при слабом освещении, на них не могут попадать прямые солнечные лучи.

18. Эффект акварельных красок используется и в тату-индустрии. Это относительно новое направление, основательницей которого является тату-мастер из Нью-Йорка Аманда Вачоб. Татуировки в таком стиле получаются нежными и легкими. В наши дни они обретают все большую популярность, особенно среди девушек. Однако не каждый мастер согласится делать такие тату. Они действительно очень отличаются от обычных тонкими контурами, более насыщенными оттенками, и их нанесение не такое болезненное. Но, как и в случае с акварельными картинами, со временем они выгорают и становятся бледными. Поэтому такой рисунок хоть и выглядит красиво, но продержится недолго. Хотя это плюс для тех, кто любит эксперименты или теряет интерес к татуировке и не хочет тратить деньги на операцию по сведению.

Источник

Все об акварельных красках

История акварели

Свое начало акварельная техника берез из Китая, где во II веке нашей эры была изобретена бумага.

Широкое распространение бумаги в Европе началось только в XII веке, поэтому акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Среди художников эпохи Ренессанса значительный след в акварельной живописи оставили Дюрер, Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

На рубеже XVIII — XIX веков акварель превратилась в один из важнейших видов английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими.

Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Василий Кандинский, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели и был создан Международный музей акварели в Мексике.

Акварельная живопись в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов. Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

В ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Карлом Брюлловым, Михаилом Клодтом, маринистом Львом Лагорио. Свою дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин, Михаил Врубель, Валентин Серов.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа, Льва Бакста, Ивана Билибина.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки.

Акварельные краски

Акварель – клеевая водорастворимая краска. Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин, а в медовой акварели – натуральный мед. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к профессиональным акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

Особенности акварели

Прозрачность

Это ключевая, самая важная особенность данных красок. Способы применения акварели и превосходные результаты целиком базируются на прозрачности. Причиной всему являются мельчайшие пигментные частицы, разглядеть которые невооруженным глазом невозможно. Это достигается путем тончайшего помола красящих пигментов и их ровному распределению по поверхности. Расстояние между частицами должно быть достаточным, чтобы пропускать свет к поверхности и отраженный свет. Белая бумага, просвечивая сквозь слой краски придает живописи невероятную светимость и блеск.

Цветовая палитра

К производным свойствам акварели относятся изменение оттенков путем нанесения высохших слоев краски поверх предыдущих. При внешней простоте сказанного совсем не просто управлять цветом при помощи слоев. Мастер должен хорошо представлять себе результат — ведь возможности исправить картину уже не будет. В акварели сложно обойтись тремя основными цветами. При механическом смешении цветов свойства акварели значительно теряются, снижается прозрачность и чистота. Однако именно прозрачность акварели позволяет расширить цветовую палитру эти красок до небывалых размеров.

Цветовой тон, насыщенность

Путем наложения слоев одного цвета друг на друга достигается и насыщенность цвета. В отличие от гуаши, акварель не предназначена для пастозного нанесения, так как весь смысл теряется. Свойства акварели диктуют нам правила, основное из которых — применение большого количества воды, ведь даже название акварели происходит от слова «вода».

Из отрицательных особенностей акварели можно выделить низкую светостойкость — живопись разрушается под световым воздействием, попросту говоря — выцветает. Кроме того из-за большого количества воды красочная пленка довольно непрочная и может быть легко разрушена при внешних физических воздействиях.

Выбор акварельных красок

При выборе акварели нужно учитывать множество факторов. При покупке красок в магазине не стоит забывать о видах акварели. Традиционно выделяют три вида: сухая, полусухая акварель в кюветах и тубах и жидкая акварель. Наиболее распространенным и универсаным видом акварели считается полусухая.

Каждый вид акварели подходит для определенного вида картин. Для набросков или небольших графических работ лучше использовать твёрдую акварель. Красками в кюветах удобно пользоваться при создании небольших работ или зарисовок на пленэре. Для создания картин большого формата выбирайте акварель в тубах, так как эти краски легко выдавливать в нужном количестве, и они не пачкаются друг об друга. Для работы с аэрографом подойдут жидкие краски. В них содержится большое количество пигмента, что делает цвет более насыщенным.

Источник

Интересные факты об искусстве акварели

Акварель отличается от масла, но она не сложнее в работе. Если вы начали рисовать маслом и акриловыми красками, вы знаете, что основное правило — начать с темных цветов и завершить, добавив блики. Ну а с акварелью нужно работать наоборот. Поскольку у нее нет реального «белого» цвета, вы должны взять белую бумагу и заранее, до покраски, спланировать работу так, чтобы оставить блики или белый цвет бумаги. То есть вы наносите сначала светлые цвета, а самые темные тени добавляете последними. Это не сложнее, но противоположно тому, как учат мыслить художников, работающих с маслом. Ниже приведены несколько советов, которые могут помочь.

«Изобразительное искусство — это то, в чем рука, голова и сердце человека объединяются» — Джон Раскин

«Мужчина выбрасывается из окна четвертого этажа; если ты не сможешь сделать его эскиз, пока он не упадет на землю, ты никогда не сделаешь ничего большого » — Эжен Делакруа

Задавать вопросы

Помните, что одним из лучших искусств в мире является то, которое заставляет вас задавать вопросы. Художник может оставить загадку в своем стиле, в своей композиции, в теме своей работы. Если вы отступите и спросите себя: «Кто там живет?», или «Куда ведет этот путь?», или «О чем они говорят?», «Как этот синий цвет захватывает мое дыхание?» — это великое искусство, поскольку зритель стал эмоционально участвовать. Когда вы рисуете, старайтесь оставить небольшую загадку, немного несказанного, пропустить одну или две линии. Вот почему многие эксперты утверждают, что в какой-то момент картина стала «переутомленной».

Мы, художники, как правило, перфекционисты, но в данном случае нужно сдерживать себя. Вы больше полюбите свою работу за это. Картины, представленные в этой статье, были созданы на пленэре, либо из жизни, натюрморта, либо из фотографий. Хорошей практикой является сохранение фотографических источников для будущего использования. Я храню свои фотографии в пластиковых файлах в папках, чтобы их было легче найти, и они не будут повреждены, если я на них брызну краской. Потом еще много раз я найду что-то новое на старой фотографии, которая не вдохновляла меня раньше. Но даже в этом случае мои фотографии — только отправная точка для меня. Никогда не пытайтесь точно скопировать фотографию, для этого у нас есть камеры и компьютеры. Пусть фотография вдохновит вас, а затем будьте креативными и спонтанными.

Факты о красках

Факты о цвете

• Жженая Умбра (Burnt Umber) — это оксид железа, сжигаемый при высокой температуре.
• Жженая Сиена (Burnt Sienna) — это также кальцинированная земля или земля, обожженная при высокой температуре.
• Кадмий (Cadmium) — это искусственный минеральный краситель.
• Карминно-красный (Carmine red) производится из женских особей жуков кошениль из Перу и Канарских островов, которых сушат и измельчают.
• Зелень (Greens) производится из молотого малахита, смешанного с гуммиарабиком.
• Индиго (Indigo)происходит от растения с темным серо-синим цветом.
• Озерный цвет (Lakes signify colors) сделаны из синтетических красителей.
• Ламповая сажа (Lamp Black) изготовлена из обожженного углерода или сажи от ламп.
• Марена красная (Madder Red) — прозрачный рубиново-красный цвет из корня маренового растения; в основном сегодня заменен Ализарином Багровым.
• Фиолетовый (Purple) обычно делают из молотых раковин моллюсков.
• Ультрамарин (Ultramarine) был изготовлен из молотого лазурита (полудрагоценного камня) в основном из Персии и Китая; сегодня изготовляют искусственно.
• Желтый (Yellow) сделан из шафрана (разновидность крокуса).
• Китайский белый (Zinc Oxide) является побочным продуктом производства латуни и используется вместо свинцовых белил.

«Вы должны продолжать рисовать, независимо от того, насколько это сложно, потому что это все часть опыта, и чем больше у вас опыта, тем лучше. Если он не убивает вас, тогда вы знаете, что зашли достаточно далеко» — Алиса Нил.

Больше об акварельной краске

Зеленый Хукер (Hooker Green) хорош как на свету, так и в темноте. Хорошо сочетается с желтым или синим, и мне они оба нравятся.

Ламповая сажа (Lamp Black), однако, является тусклым безжизненным цветом, который можно использовать лишь в некоторых случаях, например, для выделения контуров или зрачков глаз. Я предпочитаю Индиго, который не черный, а сине-черный. При истончении он становится холодным серым, а для волос он дает великолепные синие блики. Хорошо сочетается с другими цветами и сам хорошо выглядит. Если бы вы выбирали между индиго (Indigo) и Ламповой сажей (Lamp Black), то я бы использовал индиго (Indigo).

Китайский Белый (Zinc Oxide) — не тот цвет, который представляет большинство людей. Многие новые акварелисты пробовали масло и акрил, прежде чем работать с акварелью. Вы уже знаете, что в масляных или акриловых красках сначала применяются темные цвета, а белые и яркие — последними. Поскольку масла и акрилы в основном непрозрачны, белый легко покрывает темные цвета. В акварели это не так. В большинстве эти цвета прозрачны, поэтому белый сначала нужно оставить на бумаге и не окрашивать вообще. Белый — это цвет бумаги. Так почему же его зовут «китайским белым» (Zinc Oxide)? Китайский Белый (Zinc Oxide) используется, чтобы смешать его с другими цветами и сделать их слегка непрозрачными и пастельными. Но им нельзя скрывать «ошибки», потому что, когда краска высохнет, вы все равно сможете увидеть их. Вы лишь запачкаете свою работу. Также это не чисто белый. Он никогда не соответствует цвету бумаги. Вы будете очень недовольны, если будете использовать его в качестве «белого». Окраска белым акрилом выглядела бы лучше (хотя я не советую этого делать, потому что акрил блестит). Всегда лучше попытаться смочить участок и удалить грязное пятно бумажными полотенцами, чем пытаться скрыть что-либо.

Краска

Все эти цвета выпускаются в тюбиках разных размеров в зависимости от производителя и марки. Мой совет — выдавливать на палетку немного краски. Однажды в моем классе был человек, который не хотел возиться с тюбиками, поэтому он купил большую палетку и сразу же выдавил весь тюбик каждого цвета в лунки. Сперва кажется, что это отличная идея, за исключением одного важного фактора. Некоторые цвета плохо стареют за пределами тюбика. Жженая умбра (Burnt Umber), желтая охра (Yellow Ochre), берлинская лазурь (Prussian Blue) и пурпурное озеро (Purple Lake), как правило, разрушаются через месяц или около того. Как только это начнется, единственное, что вы можете сделать, это выбросить сухой кусок и заменить его свежей краской из тюбика. Эти тюбики служат долго, и я сомневаюсь, что мой ученик нарисовал достаточно картин за один месяц, чтобы израсходовать все количество тюбиков с краской на палетке, прежде чем заменить их. Я рисую каждый день, и у меня уходит много месяцев, чтобы израсходовать полный тюбик краски.

«Каждый ребенок — художник. Проблема в том, как остаться художником, корда он вырастет» -Пабло Руис Пикассо.

Кисточки

У меня есть несколько любимых кистей, перечисленных здесь. Конечно, лучшими являются кисти из соболя, но даже я не могу позволить себе иметь все кисти из соболя, а я рисую десятилетия. Основное правило при покупке кистей для акварели — посмотреть, являются ли они кистями из натурального ворса или нейлоновые. Более дешевые синтетические кисти, как правило, нейлоновый ворс, не удерживают достаточное количество воды и оставляют полосатые мазки при роботе с акварелью. Эти кисти хороши для акрила, но не для акварели. Хотя они не плохо подходят для стволов деревьев, но вовсе не годятся для цветов и лиц.

Кисти из натурального ворса, белки, козы, мангуста, барсука, свиньи, вола, пони, соболя (не обязательно из соболя, но из любого члена семейства ласок), или верблюжьего ворса, лучше держат воду и равномерно распределяют краску. Сегодня есть несколько категорий синтетических кисточек, которые почти такие же мягкие, как из настоящего ворса, и стоят дополнительной цены.

Часто кисточки из верблюжьей шерсти, как ни странно, вообще не имеют волос от верблюдов. Это кисти из разной шерсти, смешанной вместе. Вот почему кисти из верблюжьей шерсти обычно дешевле, чем любые другие. Несмотря на это, они очень полезны, и у меня их много.

Более дешевые иногда пропускают, и это раздражает, так что за хорошие кисти стоит платить. Бамбуковые кисти, как правило, изготавливаются из щетины свиных волос с бамбуковой ручкой и используются для каллиграфии, восточной живописи и акварели. Они разные в использовании, но обычно доступны по цене и универсальны. У меня под рукой много бамбуковых кисточек для рисования, и я держу маленькие в своем дорожном наборе. Если вы путешествуете, вам нужна только одна или две кисти, и бамбук лучше всего подходит, потому что вы можете использовать их для больших и мелких деталей.

В наши дни производят дорогие синтетические кисти, которые обладают такой же мягкой и гладкой текстурой и характеристиками соболя, но при этом не требуют больших затрат. Кисти Taklon изготовлены из искусственных волокон, окрашенных и обожженных, что делает их более мягкими и впитывающими. Они дороже, чем кисти из верблюда, но они того стоят. Winsor и Newton Cotman делают наборы из синтетических кистей, которые являются универсальными и имеют разумную цену. Если вы не можете позволить себе много кистей, я советую вам взять №10 или №12. Они сделают почти все, что вам нужно за одну цену.

«Картина никогда не заканчивается, она просто останавливается в интересных местах» — Пол Гарднер.

Натуральные губки

Они делают лучшую текстуру для деревьев, цветов, камней. Натуральные губки относительно недорогие и ими можно пользоваться очень долго. Губки бывают разных «сортов» или текстурной гладкости. «Шелковый» сорт имеет очень маленькие отверстия и гладкую текстуру; что не есть очень хорошо для наших целей, но они отлично подходят для работы с керамикой. «Натуральный» — это хороший вид, но все же отверстия слишком малы, чтобы их можно было использовать для картин. Я заметил, что натуральные губки имеют большие отверстия и лучше всего подходят для рисования. Попробовав одну, вы не захотите обходиться без них. Чтобы использовать губку, намочите ее. Я знаю, это звучит элементарно, но вы не можете себе представить, сколько людей берут свою первую сухую губку, погружают ее в краску и пытаются заставить ее работать. Это губка и ей действительно нужно немного воды.

Как только у вас будет хорошая, мягкая и влажная губка, отожмите всю воду; или, по крайней мере, столько, сколько вы можете выжать. Поверьте мне, там будет много. Теперь выберите свой цвет и нарисуйте грубую часть текстуры губкой с краской. Если краска высохнет, обязательно добавьте пару капель воды и подождите около 5 минут, прежде чем работать губкой. Как только у вас появится краска на губке, нанесите ее на бумагу. Не перетаскивайте ее и не двигайте по бумаге. Вы хотите текстуру, а не полосатый рисунок. Когда вам нужно добавить краску, не добавляйте больше воды на губку (как в случае с кистью), просто окуните ее в краску и снова промокните. Сначала попрактикуйтесь на образце бумаги. Позже, когда вы закончите работу, вымойте краску с губки, прежде чем дать ей полностью высохнуть.

«Искусство — это идея. Недостаточно рисовать. Художник должен уметь думать» — Гурдон Вудс

Белые карандаши, воск, парафин или свечи

Техника воскорезиста требует воска. Мелки являются лучшими, так как они уже имеют форму для рисования. Тем не менее, любой воск подойдет к работе. Многие художники используют нагревательные устройства, которые растапливают горячий расплавленный воск. Мелки отлично работают без нагрева, однако линии толще, и художнику приходится очень сильно нажимать, чтобы убедиться в хорошем покрытии. Легкие восковые линии не будут хорошо видны после нанесения краски.

Солевые эффекты

Подойдет любая соль: морская соль, каменная соль, йодированная соль, поваренная, даже соли Эпсона. Соль нужно посыпать, пока бумага еще не высохла.

Нужно следить за временем, потому что, если бумага слишком влажная, соль полностью растворяется и не оставляет нужных следов. Но если бумага слишком сухая, соль просто остается там и ничего не происходит. Нужно от 10 до 20 минут, чтобы соль сделала нужную структуру, и после того, как она высохнет, вы можете стряхнуть избытки. Остается только рисунок.

«Искусство процветает там, где есть ощущение приключений» — Альфред Норт Уайтхед.

Медицинский спирт в бутылке с пульверизатором

Как и соль, спирт можно наносить только на влажную бумагу. Его можно распылять из распылителя, капать пипеткой или наносить кистью. Эффект получается очень интересный и имеет много применений. Очень красиво смотрится для фонов за цветами. Не переусердствуйте. После первой пары брызг бумага становится более насыщенной, и эффект больше не работает. Держите баллончик с распылителем на расстоянии не менее 9-12 дюймов от бумаги, иначе у вас не будет еффекта тумана, а только непривлекательные «брызги».

«Это как гольф. Чем меньше ударов я могу сделать, тем лучше картина» — Джон Марин.

Эффект полиэтиленовой пленки

Как соль и спирт, полиэтиленовая пленка должна применяться, когда бумага еще очень влажная. Это займет всего несколько минут (от 3 до 5 в зависимости от влажности воздуха), и когда вы снимите полиэтиленовую пленку, рисунок останется. Этот эффект хорош при рисовании гор, океанских волн или просто интересной текстуры на камнях, со специальными эффектами. Краска впитывается в бумагу, где пластик ее касается. Бумага мнется там и больше нигде.

«Искусство — самая точная транскрипция из моего самого близкого впечатления о природе» — Эдвард Бункер

Эффект брызг

Старая зубная щетка или даже акриловая кисть с жесткой щетиной – хорошие инструменты для брызг. Добавьте краску на кисть и потяните щетинки на себя, чтобы брызги попали на бумагу. Если вы потянете щетинки к бумаге, брызги попадут прямо на ваше лицо и одежду. Брызги добавляют интересные тона и детали к скалам, песчаным пляжам, фонам или даже к декоративной бумаге. Мне нравится такой эффект для сцен скотного двора.

Контуры для некоторых вещей

На самом деле нет никаких очертаний в реальной жизни. Но иногда черный, пурпурный или синий контур добавляет дополнительный объем и детали, благодаря которым появляется картина. Иногда я добавляю контуры, чтобы посмотреть, нравится ли мне эффект. В других случаях я их не использую. Это все дело вкуса.

«Лучше рисовать по памяти, потому что таким образом твоя работа будет твоей собственной; Ваши ощущения, ваш разум и ваша душа восторжествуют в глазах зрителя . Не заканчивайте свою работу до конца » — Поль Гоген

Источник